Design-Trends beeinflussen die visuelle Ästhetik und Funktionalität von Produkten, Dienstleistungen und Marken. Sie spiegeln die aktuellen Präferenzen, Technologien und gesellschaftlichen Strömungen wider und beeinflussen so, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen. Vom minimalistischen Design bis hin zu lebendigen Farben und organischen Formen gibt es eine Vielzahl von Design-Trends, die sich ständig ändern und weiterentwickeln.
Wie du Design-Trends für dein Business nutzen kannst
Die Kenntnis dieser Trends kann von unschätzbarem Wert sein, sei es für Designer, Unternehmer oder Marketingexperten. Indem du die aktuellen Design-Trends verstehst und geschickt in deine Arbeit integrierst, kannst du nicht nur ein modernes und ansprechendes Erscheinungsbild schaffen, sondern auch die Wahrnehmung deiner Marke oder deines Produkts verbessern. Kunden suchen oft nach innovativen und aktuellen Designs, und wenn du in der Lage bist, diese Bedürfnisse zu erfüllen, kannst du dir einen klaren Wettbewerbsvorteil verschaffen.
Darüber kannst du dich als Designer:in und Kreative/r, der/die sich mit den aktuellen Design-Trends auskennt, deine Fähigkeiten und dein Portfolio erweitern, indem du auf dem neuesten Stand bleibst und dich kontinuierlich weiterentwickelst. Die Anpassung an die sich ändernden Vorlieben und Technologien ermöglicht es dir, relevante und gefragte Dienstleistungen anzubieten und deine Karriere voranzutreiben.
In diesem Artikel werden wir einige der aktuellen Design-Trends vorstellen und darüber diskutieren, wie du von diesen profitieren kannst, sei es durch die Gestaltung ansprechender Produkte, die Förderung einer Marke oder die Weiterentwicklung der eigenen Fähigkeiten als Designer:in.
90’s Throwback
Wohlige Nostalgie mit einem zeitgemäßen Touch: Die Magie der 90er-Jahre ist zurück und bringt ihren lässigen Charme in verschiedene Aspekte des modernen Lebens ein. 90’s Throwback ist ein hochkarätiges Afterschool-Special, auf das wir uns branchen- und markenübergreifend freuen.
In einer Zeit, in der Authentizität die Verbraucherinnen und Verbraucher on- und offline antreibt, ist es mehr als offensichtlich, warum uns dieser Trend in ein Jahrzehnt zurückversetzt, in dem mutige Experimente und Individualität gefragt waren. Die Fülle an zugänglichen Informationen erinnert an eine Zeit neuer Chancen, in der das digitale Zeitalter die Grenzen des Möglichen durch eine Auflehnung gegen Form und Funktion verschob.
Dieser Trend ist wie ein etwas körniges Klassenfoto: Er führt uns mit Primärfarben, überarbeiteten Schriftarten der Neunziger und skizzierten oder illustrierten Elementen, die wie die Aufkleber auf unseren damaligen Schulheften aussehen, in die Vergangenheit zurück.
Von der Mode über das Branding bis hin zum Produktdesign: Der Einfluss der Neunziger ist für Marken, die auf dieses prägende und dynamische Jahrzehnt zurückgreifen, unübersehbar.
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Party Flash
Es ist Nacht, der Raum um dich herum ist voller Menschen und dein cooler bester Freund ist auch dabei: Das ist Party Flash. Dieser Trend lebt von der Bewegung und Lässigkeit einer unbeschwerten Stimmung. Angesichts des selbstsicheren Auftretens wünschen sich nicht wenige Zuschauer, dass sie auf der Gästeliste gestanden hätten.
Wo Marken in der Vergangenheit auf aufgeräumte und durchgeplante Räume und Großaufnahmen ihrer Produkte gesetzt haben, greift Party Flash auf eine stimmungsvolle und zufällige Produktplatzierung zurück. Dieser Trend will Gefühle hervorrufen, die einer anderen Realität entstammen – einer Realität, die ein bisschen cooler ist als die, in der du gerade lebst. Er verzichtet auf knallige Farben und lässt sich eher vom intimen Gefühl unterbelichteter Filme inspirieren. Die feine Körnung, das Rauschen und der Eindruck von Staub auf dem Objektiv sorgen für eine berauschende Ästhetik, die Produkte als unverzichtbar für den eigenen Spaß darstellt. Party Flash ist in allen möglichen Branchen zu finden – vom Handel und der Modebranche bis hin zu Lebensmittel- und Getränkeindustrie und sogar in der Veranstaltungsbranche.
Party Flash besticht durch seine Originalität und schafft durch seine informelle Ästhetik und den Einsatz ungefilterten Blitzlichts viel Vertrauen. Jüngere Generationen und insbesondere die GenZ leiden noch immer an einer Überflutung mit Onlinewerbung. Als Reaktion darauf nutzt dieser Trend eine weiterentwickelte Methode der Produktplatzierung und macht Werbung wieder cool. Diese Fototechnik wird nicht nur von Marken eingesetzt, sondern gewinnt auch in der Hochzeitsfotografie und der Veranstaltungsdokumentation immer mehr an Beliebtheit. 2024 steht ganz im Zeichen der plattformübergreifenden Authentizität und wie üblich folgen die Inhalte dieser Vorgabe konsequent.
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Grunge 2.0
Holt die Doc Martens wieder raus: Grunge ist zurück – und vielleicht größer denn je! Grunge 2.0 kommt ohne KI-generierte Hochglanzbilder aus – und trotzdem ganz groß raus. Er tritt gegen das Establishment auf und bricht durch die Verwendung unharmonischer Farben und düsterer Texturen mit den Regeln.
Schräge Winkel und unregelmäßige Ebenen sind nur einige der Eigenschaften, die eine Generation ansprechen, die sich vom Mainstream und dem glänzenden Überfluss, wie wir ihn online so oft sehen, abheben will. Der Trend bricht mit der Aufdringlichkeit, denn er kombiniert kontrastarme Farben mit Elementen der Schwarz-Weiß-Fotografie. Grunge 2.0 benutzt kräftige, serifenlose Blockschriften im Kontrast zu körnigen oder handgezeichneten Schriften als Anspielung auf die ausgefallenere Seite des Trendrevivals der 90er-Jahre. Raue Texturen, die an Filmkorn oder Zeitungspapier erinnern, machen sich die Identität von Analogtechnik und eilig hingekritzelten Manifesten zunutze, während die posterartigen Layouts eine Anspielung auf die Underground-Musikszene der 90er darstellen.
Trends entstehen in der Regel, um ein Gleichgewicht zu erreichen und herzustellen, und wenn wir sehen, wie ausgefeilte, überirdisch wirkende Kunst aus der KI-Werkstatt durch die Feeds schwappt, ist etwas Analoges wohl nur eine natürliche Reaktion darauf. Im Gegensatz zum 90s Throwback ist Grunge 2.0 jedoch eine Reaktion auf die Ablehnung von Mainstream-Normen, ähnlich wie das Vorbild eine Reaktion auf die geschliffene und durchkommerzialisierte Kultur der 90er war. Grunge 2.0 wird in der Veranstaltungswerbung, im Handel und in der Modebranche eingesetzt. Es ist die perfekte Wahl für Marken, die keine Lust darauf haben, die Dinge „professionell“ zu machen, sondern sich dem Chaos einer Gegenkultur hingeben.
Swiss Gridding
Swiss Gridding ist ein Trend, der sich von den Grundlagen des Schweizer Designs ableitet: ein minimalistischer Designstil, der ein Blocklayout, serifenlose Schriften und minimalistische Fotografien bevorzugt. Swiss Gridding ist von der Bewegung der 50er- und 60er-Jahre beeinflusst und beruht auf einer strukturierten Herangehensweise, bei der die Gestaltung auf Zeilen und Spalten fußt.
Die Informationshierarchie ist dabei immer ausschlaggebend. Sie wird oft dadurch erreicht, dass der Betrachter durch Abmessungen, Farbe und sorgfältige Platzierung von Elementen in einem Raster angeleitet wird. Durch das modulare Design entstehen strukturierte, organisierte und visuell ausgewogene Layouts, die Informationen klar und deutlich vermitteln. Lass dich nicht vom verwendeten Raster täuschen: Bei diesem Trend entstehen durch Asymmetrie oft dynamische Kompositionen. Der Einsatz einer begrenzten Farbpalette, bei der oft Schwarz, Weiß und einige wenige Akzentfarben dominieren, ist beabsichtigt und trägt zur allgemeinen Schlichtheit des Designs bei.
Im Jahr 2024 passen Trends, bei denen sich Gegensätze kreuzen, zum Chaos eines unberechenbaren geopolitischen Klimas und zum Nachgang der Pandemie. Während die einen zu chaotischer Unordnung neigen, sehnen sich andere nach akribischen Strukturen und Systemen. Die Klarheit und Schlichtheit von Swiss Gridding sprechen den Betrachter an wie ein wohlbekannter Pfad oder eine gut organisierte Routine. Dieser Trend zieht sich durch die Mode-, Schönheits-, Event- und sogar die Reisebranche und ruft Marken auf den Plan, die eine moderne Version des Luxusdesigns umsetzen wollen.
Min-Max
Es sind zwei Seiten derselben Medaille: Min-Max verschiebt die Grenzen des minimalistischen Designs. Schlicht, aber niemals langweilig, schafft dieser Trend Kontraste in Form und Funktion. Als eine etwas ruppigere Variante von Swiss Gridding kreiert Min-Max eine etwas gedrängte Minimalismusästhetik, die das Beste aus beiden Welten in sich vereint.
Die Typografie steht im Mittelpunkt eines Trends, der sich auf minimalistische Texturen und Designelemente stützt. Wo Swiss Gridding sich an einer gewissenhaften Platzierung orientiert, schafft Min-Max durch Schrift und kräftige Farben eine Zufallshierarchie. Die Layouts sind nüchtern, wirken aber durch die einzigartige Schriftanordnung und die sich überschneidenden Elemente dennoch dicht. Dieser Trend erinnert an die analoge Druckverarbeitung und vermittelt dem Betrachter einen Blick auf Bildausschnitte, die wie mit einem Rasiermesser geschnitten wirken. Dank der kräftigen Farbpaletten kann dieser Trend bis 2024 anhalten, wo die Marken immer seltener auf neutrale Farben zurückgreifen.
In raffinierter wie unaufdringlicher Form finden wir Min-Max in Branchen wie dem Einzelhandel, der Modebranche, der Event- und Künstlerpromotion und sogar im Geschäftsleben. Dieser Trend spricht Menschen an, die die Struktur und Einfachheit von Swiss Grid schätzen, aber die Grenzen der Anordnung und Asymmetrie überschreiten wollen. Er ist eine Antwort auf das manchmal sterile Gefühl von Ordnung und ein Schritt auf die Grenzen zu, die das Jahr 2024 mit sich bringt.
Year of the Bold
2024 erfordert mehr Mut als je zuvor. Year of the Bold löst sich von passiven Schattierungen und Subtilität und bringt uns stattdessen mitreißende Farben und auffällige Typografie. Es ist eine dynamische Verschmelzung von Selbstvertrauen und Kreativität, die Bildlandschaften Leben einhaucht und den ästhetischen Nerv des Jahres 2024 nachhaltig prägt.
Die kühne Typografie zieht die Aufmerksamkeit auf sich und macht auf den allerersten Blick eine markante Aussage. Lebendige Farbpaletten bringen Bewegung in jeden Pixel und Pinselstrich. Dieser Trend ist nicht mehr nur eine Randerscheinung, sondern begeistert mit auffälligen Farben, die Aufmerksamkeit erregen. Geometrische Muster, die sorgfältig strukturiert sind, ziehen sich durch die Designs und verleihen ihnen einen Hauch von Raffinesse und Modernität. In allen Branchen – von der Mode bis zur Technik – ist Year of the Bold nicht einfach nur ein Trend: Es ist ein Statement!
In unserem schnelllebigen und optisch überfrachteten digitalen Zeitalter wirkt dieser Trend wie ein grafisches Aufbegehren, das in einem Meer von Inhalten Beachtung verlangt. Er spiegelt einen Zeitgeist wider, nach dem Menschen sich selbst ausdrücken und von anderen abheben möchten, und fördert ein Gestaltungsparadigma, das sich nicht scheut, aus der stumpfen Norm auszubrechen und sich mit unverhohlener Lebensfreude zu zeigen.
80’s Bytes
Was passiert, wenn man Retronostalgie und modernes Design kombiniert? Nun, das Ergebnis ist ein Trend, den wir 80s Bytes nennen. Angesichts der Schwerpunktsetzung auf Innovation, futuristische Ideale und visuelle Identitäten kann man schon fast von einem Comeback für grafische Gestaltung sprechen. Ausgehend vom traditionellen 8-Bit-Design führt uns 80s Bytes an einen Ort mit verpixelten Schriftarten und großflächigen Designelementen.
Unverwechselbare Pixeldisplayschriften stehen im Mittelpunkt und erweisen der 8-Bit-Ära Referenz, indem sie die Überschriften frech in Szene setzen. Dieser Trend greift die 8-Bit-Ästhetik nicht nur auf, sondern erfindet sie neu. Pixelgrafiken – ob als filigrane Ausschnitte oder übergroße Designelemente – werden zur Leinwand für Innovation und futuristische Ideale. Durch die Vielfalt der Pixel – von ganz kleinen bis hin zu überlebensgroßen – entsteht eine optische Spielwiese, die Aufmerksamkeit erregt und beim modernen Publikum Anklang findet. Die Farbpaletten bilden eine Sinfonie heller, lebendiger Farbtöne, die dem digitalen Muster von 80s Bytes Leben einhauchen: Hier treffen Nostalgie und Moderne in einem kühnen Ausbruch von Kreativität aufeinander.
Dieser Trend ist ein visuelles Zeugnis für die zyklische Natur des Designs und ruft das Gefühl wach, dass alles Alte immer wieder neu wird. Man braucht keinen DeLorean, um zu erkennen, dass die 1980er-Jahre eine bahnbrechende Ära waren, die von der Einführung des PC und der Geburt der digitalen Ästhetik geprägt war. 80s Bytes lässt die nostalgische Anziehungskraft von Retrovideospielen und -oberflächen wieder aufleben. Der Pixelcharme dieses Trends dient als optische Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Er greift auf das kollektive Gedächtnis zurück und verleiht dem modernen Design einen Hauch von Leichtigkeit und Offenheit. Mit seiner vielseitigen und anpassungsfähigen Ästhetik kann 80s Bytes auf eine Vielzahl von Branchen zugeschnitten werden. Die Bandbreite reicht dabei von eher technikorientierten Bereichen bis hin zu Beauty und Handel.
3D Fun
Sanft abgerundete, pastellfarbene Ecken und organische Formen, die sich von der Seite abheben: Das muss 3D Fun sein. Produkte, Figuren und interessante Grafiken tauchen überall auf und wirken wie festgeklebt. Im Gegensatz zur extrem surrealen Ästhetik, die von KI-Modellen erzeugt wird, werden 3D-Bilder im Design immer öfter sanfter und subtiler eingesetzt.
Einladende und warme Designs, die diesem Trend folgen, zeichnen sich durch eine Kombination aus Launenhaftigkeit und Raffinesse aus und springen nachgerade aus dem Bild. Stell dir helle Pastelltöne, weich abgerundete Ecken und lebhafte organische Formen vor, die über den Bildschirm tanzen. Dieser Trend verbindet Verspieltheit mit Raffinesse, denn 3D-Elemente werden mit feinen Schatten und Lichtern versehen, die dem Bild eine gewisse Tiefe verleihen. Die Typografie steht vor einem einfarbigen Hintergrund oft im Mittelpunkt: Lebendige Farben und dynamische Formen untermalen den Raum.
Eine Ode an eine sanftere, einladendere Ästhetik: Hier erzählen gemischte Formen eine Geschichte, die sich in reizvollen Schichtungen entfaltet. Da Produkte, Figuren und Grafiken diesen Trend immer häufiger aufgreifen, erweist sich 3D Fun als Gestaltungssprache, die nicht nur vorübergehend fasziniert, sondern sich spielerisch weiterentwickelt und der Designlandschaft ihren Stempel aufdrückt. In einer Welt, die von Displays und virtuellen Erlebnissen durchdrungen ist, stellt dieser Trend eine handfeste und reizvolle Alternative dar, die die Kluft zwischen dem Digitalen und dem Konkreten überbrückt.
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3D Inflatable
Als Fortentwicklung von 3D Fun sorgt 3D Inflatable für ein Zusammentreffen der realen Welt mit der Fantasie. Dabei entsteht ein Mikrotrend mit scheinbar aufblasbarer Typografie und ballonartigen und flatterhaften Gestaltungselementen. Bei diesem Trend werden die Elemente wie mit Helium gefüllt langsam über den Bildschirm geschoben und Räume, die normalerweise in der Realität verwurzelt sind, um Wunder und Fantasie erweitert.
Beschwingt und skurril trotzen die Lettern und Schriften der Schwerkraft – statt einfacher Zeichen werden sie zu schwebenden Kunstwerken. 3D Inflatable ist eine spielerische Kollision zwischen Wirklichkeit und Fantasie und schafft beinahe greifbare Erlebnisse, die sich tanzend aus dem Bildschirm bewegen. Es lebt vom reizvollen Kontrast, der entsteht, wenn die Typografie mit Ballontextur vor einem Hintergrund aus anderen Designelementen platziert wird: Fotografien, flache Schriften oder kräftige, flächige Farben. Dem verspielten Charakter des Trends entsprechend tendieren die Farbpaletten zu hellen und farbenfrohen Nuancen, die ein Gefühl der Freude und des Staunens verleihen.
3D Inflatable ist als unbeschwerte Antwort auf eine Welt entstanden, die nach heiterem Eskapismus und der Sehnsucht nach greifbaren Erlebnissen in der digitalen Welt giert. Die Nostalgie, die sie hervorruft, ist in der kindlichen Spielfreude verwurzelt und erinnert an die leuchtenden Farben und plastischen Formen, die die Fantasie anregen. In einer Zeit, in der Fantasie fast überall willkommen ist, ist dieser Mikrotrend ideal für Handels-, Tech- oder Medienmarken, die den Sprung vom Bildschirm weg wagen wollen.
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Bubbly Bento Box
Lass dich nicht von den Andeutungen von Schälchen und Struktur täuschen: Die abgerundeten Ecken und die kräftige Farbgebung schaffen eher eine an Lavalampen erinnernde Szenerie, die dich mit diesem von der Bentōbox inspirierten Designtrend zum Schwärmen bringen wird.
In der faszinierenden Welt von Bubble Bento Box entfaltet sich die Verbindung von Essenschälchen und Kreativität in einem schillernden Tanz aus runden und sprudelnden Formen. Vergiss konventionelle Erwartungen an Ordnung und Sauberkeit: Hier macht der Designtrend einen spielerischen Abstecher in eine Welt, in der klare Kanten und grenzenlose Formen die Oberhand behalten. Die Farbpalette wird dabei zum Hauptdarsteller, der Ton und Ästhetik souverän vorgibt. Dunklere, stimmungsvolle Paletten verbinden sich mühelos mit den beschwingten Blasenformen und sorgen für eine angesagte und coolere Optik, die weit über alles Gewöhnliche hinausgeht. Die lebhaften und kräftigen Farben stehen dabei im Mittelpunkt: Sie erzählen eine Geschichte von lässiger Offenheit, die den Betrachter dazu einlädt, in den entspannten Reizen zu schwelgen. Die Layouts sind an die Struktur einer Bentōbox angelehnt und bilden spielerische und individuelle Kombinationen, die Informationen mit einem künstlerischen Touch vermitteln.
In unserer heutigen Kulturlandschaft, die von Informationen überflutet wird und nach Individualität schreit, ist Bubble Bento Box als Trend eine optische Revolution. Es spiegelt in einer Welt, die sich oft strukturiert und abgeschottet anfühlt, den Wunsch nach einer spielerischen und ansprechenden Ästhetik wider. Das ist nicht einfach nur ein Design, sondern ein Bubble Bento Box-Spektakel, bei dem jedes Element zum Leben erwacht und eine zauberhafte Szene schafft, die fesselt und zum Entdecken einlädt.
Homespun Luxury
Homespun Luxury ist nicht einfach nur ein Designkonzept, sondern die nahtlose Verschmelzung von handwerklichem Reiz und einem Hauch von Luxus, der eine wahre Augenweide schafft. Stelle dir vor, wie sich raffinierte Serifen mit einzigartigen Details verflechten und ein Bild von absoluter Perfektion erschaffen. Diese traditionellen Elemente verleihen den Designs nicht nur Wärme und Authentizität, sondern auch einen Hauch von gehobenem Stil. So wird aus dem Gewöhnlichen etwas wirklich Besonderes. Es ist eine Welt, in der die Gemütlichkeit des eigenen Heims sich anmutig mit der Verlockung der Extravaganz verschränkt.
Ähnlich wie Schnitte auf einer Leinwand entfaltet sich das Design unstrukturiert und fängt so die Essenz der Spontaneität ein. Die Farbpaletten – eine wohldurchdachte Auswahl an trendigen, luxuriösen Farbtönen, gepaart mit Nuancen, die an Rohmaterialien wie Terrakotta, Lehm, Oliven oder Wüstensand erinnern – unterstreichen die Verbindung des Trends zur Natur. Sorgfältige Details wie handgefertigte Logos und weitere illustrative Elemente durchweben Homespun Luxury und sorgen in jedem Design für Ausgewogenheit und Ruhe.
In dieser Ästhetik steckt eine gelungene Mischung, die die Annehmlichkeiten des Alltags mit der Eleganz des Luxuriösen in Einklang bringt. Es ist eine Einladung zu einem Lifestyle, der die langsamen Momente schätzt – mühelos in gestylten Bildern festgehalten, die eine Mentalität des „Living Slow“ widerspiegeln. Und es ist mehr als nur ein Look: Es ist eine Ikigai-Philosophie. Hier werden alles, was du liebst, was du gut kannst und was die Welt braucht, zu einem harmonischen Ganzen zusammengefügt. Besonders reizvoll ist, dass sich dieser Luxus nicht in Grenzen hält, sondern allen zugänglich ist und das Profane zu etwas macht, das man inmitten des Trubels begehrt und sucht.
Vintage Vivant
Dieser Trend ist eine modernisierte Vision der Vintage-Revival-Ästhetik: Er lässt sich von der verschnörkelten Eleganz des viktorianischen Zeitalters, der geometrischen Raffinesse des Art Déco und den organischen Motiven des Jugendstils inspirieren. Dieses Wiederaufleben alter Zeiten umfasst aufwendige Details und reiche Texturen und spielt mit den charakteristischen Merkmalen vergangener Epochen, um modernes Design mit einer nostalgischen Note zu versehen. Das ist Vintage Vivant.
Die zeitlose Eleganz der viktorianischen Ära, die geometrische Anziehungskraft des Art Déco und die organischen Motive, die für den Jugendstil stehen, werden hier zu einem gestalterischen Behang verwoben. Klassische Schriftarten und detaillierte Layouts füllen die Fläche und erinnern an eine Ära, in der Handwerkskunst noch groß geschrieben wurde. Vintage Vivant ist von einem Geist der Nostalgie durchdrungen. Es vereint traditionelle Illustrationen mit nostalgischen Fotografien und schafft so ein ausgewogenes Gleichgewicht zwischen kunstvollem Charme und moderner Schlichtheit. Inmitten der Anklänge an vergangene Epochen bringt dieser Trend aktuelle Wendungen mit sich: eine kräftige Farbpalette, gewagte Formen und Cutouts, die das Design mit moderner Lebendigkeit unterstreichen.
Dieser Trend geht über ein bloßes Revival hinaus: Er ist ein lebendiges Zeugnis für die anhaltende Anziehungskraft der Vintage-Ästhetik. Dabei wird jedes Element sorgfältig komponiert, um einer modernen Erzählung Leben einzuhauchen. Vintage Vivant spricht die Sehnsucht nach Handwerkskunst, Geschichtenerzählen und einem Gefühl der Erhabenheit an und gestattet es Designern, visuell fesselnde Erlebnisse zu schaffen, die das Beste aus der Vergangenheit mit der Innovation der Gegenwart verbinden.
The Wes Effect
„Wes Effect“ steht für Wes Andersons ausgeprägte visuelle und stilistische Markenzeichen, die über das Filmemachen hinausgehen und verschiedene kreative Bereiche wie Grafikdesign, Inneneinrichtung und Popkultur beeinflusst haben. Andersons von Vintage und Retro inspirierte Ästhetik ist zu einem allumfassenden Einfluss geworden und prägt optisch ansprechende und stimmige Designs in verschiedenen Bereichen. Andere Gestalter haben sich seine charakteristische Attribute zu eigen gemacht, um unterhaltsame und fesselnde Bilder zu entwerfen.
Das Herzstück des Trends ist die Farbgestaltung, die oft Pastelltöne, gedämpfte Nuancen und kräftige, aber komplementäre Farbkontraste umfasst. Die Symmetrie spielt eine zentrale Rolle: Sie fördert ausgewogene Kompositionen, während die Wertschätzung für kleine Unregelmäßigkeiten einen Hauch von handwerklichem Charme verleiht. Vintage-Typografie und Fotos mit Retrotouch unterstreichen die anhaltende Wirkung von Andersons Bildsprache. Dabei fungiert seine einzigartige Verschmelzung von Farbauswahl, Symmetrie und Liebe zum Detail als Prüfstein für zeitgenössisches Design in verschiedenen kreativen Disziplinen. Die Verschmelzung von Romantik und Humor kennzeichnet diese Ästhetik, die durch kunstvolle Präsentationen ergänzt wird, die Launenhaftigkeit und Präzision miteinander verbinden. Das Schichten dieser Optik trägt zu dem mehrdimensionalen und unverwechselbaren Reiz bei, der mit Andersons Stil verbunden ist.
Die von Wes Anderson inspirierte Ästhetik geht weit über die Wurzeln im Film hinaus: Sie erstreckt sich vom Einfluss auf Designer in ihrem Handwerk über Marken, die die unverwechselbare Ästhetik in Kampagnen nachahmen, bis hin zu KI-generierten Kunsttrends, die versuchen, den nostalgischen Charme von Wes Anderson zu kopieren. Die Erzähltechniken des Regisseurs machen das Uninteressante interessant und romantisieren das Alltägliche und Gewöhnliche. Für 2024 ist das eine scheinbar dringend benötigte Perspektive.
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Vintage Valentine
Das zuckersüße, oft sehr feminine Vintage Valentine schwelgt in den lieblichen und edlen Stilen von Koketterie, Rokoko und Ballettästhetik und behält trotzdem den scharfen Biss der rebellischen Jugend. Woran man sofort denken muss: Schreibfedern, Liebesbriefe, altmodische Skizzenbücher – aber auch der Spaß am Verkleiden. Es ist das Sahnehäubchen auf einer feinen Torte – und ein beinahe zu perfektes Service, das wohl nur Marie Antoinette selbst zusagen würde.
Designer sollten hier buchstäblich mit der Nostalgie von Rüschen, Schleifen, Herzen und Bändern spielen (und dürfen auch gerne einmal übertreiben). Mit kräftigen Farbpaletten, raffinierten Skripten und handgezeichneten Elementen, die mit kontrastierender Blitzlichtfotografie kombiniert werden, verkörpert dieser Trend eine klare, aber dennoch verspielte Designästhetik.
Dieser Schleifentrend führt zweierlei zusammen: Er feiert einerseits die weiblichen und verspielten Aspekte der Mädchenjahre, konfrontiert und untergräbt gleichzeitig jedoch die Erwartungen an das Erwachsenwerden.
Ursprünglich ist er online viral gegangen und ist sicherlich prädestiniert für Modebranche und Handel, eignet sich aber gewiss keinesfalls ausschließlich für die Gestaltung von Events oder womöglich Speisen und Getränken. Als exquisiter Pas de deux zwischen dem Ornamentalismus des Rokoko und der schlichten Nostalgie der weiblichen Jugend wird dieser Trend 2024 Millennials und Generation Z einfach umhauen.
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Mod Environmentalist
Mit seiner Biomarktästhetik und dem umweltfreundlichen Touch hat sich das Design 21st Century Environmentalist etabliert. Jetzt wird die Ästhetik des umweltgerechten Designs neu erfunden, und die alten Papiertüten mit den Saatenmustern, Karton aus Altpapier und die schalen Paletten bleiben auf der Strecke. Wir nehmen zur Kenntnis: Dieser Trend ist gekommen, um den Appetit auf gutes Design zu stillen, visuelle Relevanz zu erreichen und sich so in einem schnelllebigen Markt abzuheben.
Mit seiner Schwerpunktlegung auf handgefertigten Illustrationen und Elementen aus der Natur, die Authentizität und handwerklichen Charme in die Gestaltung einfließen lassen, ist 21st Century Environmentalist die direkte Antwort auf das wachsende Interesse an ökologischen und nachhaltigen Produkten. Dieser Trend ist gekennzeichnet von freundlichen und luftigen Paletten. Inspiriert von den Farben der Natur schafft er eine harmonische visuelle Erzählung. Diese unverwechselbaren Illustrationen und Farbpaletten werden mit einer charakteristischen Typografie kombiniert – oft maßgeschneidert oder durch handgemachte Elemente inspiriert –, was zu der einzigartigen und erneuerten Identität dieses Trends beiträgt.
Unternehmen binden aus strategischen Gründen Ökoelemente in ihr Branding ein und nutzen diesen Trend, um ein ausgeprägtes Umweltbewusstsein zu signalisieren. Durch die Integration solcher Elemente kommunizieren Marken ihr Engagement für Nachhaltigkeit und unterstreichen ihre ethischen Werte. So heben sie sich in einem wettbewerbsintensiven Markt ab und sprechen gleichzeitig Verbraucher, die aktiv nach umweltfreundlichen Optionen suchen, gezielt an. Dieser Designstil wird zu einem optischen Wegweiser für solche Unternehmen und Projekte, die ihr Engagement für Natur, Ökologie und eine harmonische Beziehung zur Umwelt unterstreichen wollen und damit eine starke Resonanz bei einem umweltbewussten Publikum finden.
Maximalist Composition
Maximalist Composition mag nicht überall auf Gegenliebe stoßen, aber sein disruptiver Charakter wird Betrachter nicht davon abhalten, das Chaos der einzelnen Entwürfe zu erkunden und zu interpretieren. Jede Komposition ist eine einzigartige Mischung aus zufälligen Fügungen, die aus der konventionellen Gleichförmigkeit ausbricht. Dieser kühne und experimentelle Stil lässt alle Konzepte des Leerraums hinter sich und fordert den Betrachter mit seiner absichtlich überwältigenden Ästhetik heraus. Der Wirrwarr lädt den Betrachter dazu ein, aus seiner Routine auszubrechen und tiefer in die pulsierende und chaotische Erzählung einzutauchen, die durch Ebenen, Texturen und plakative Schriftarten entsteht.
Dieser Trend lebt von Ebenen, Texturen und einer Mischung unterschiedlichster Inspirationen von der Popkultur bis hin zur digitalen Glitch-Ästhetik. So entsteht ein überraschendes und dynamisches visuelles Erlebnis. Kräftige Neonfarben dominieren und schaffen eine energiegeladene Atmosphäre, die intensiv und unerwartet kontrastreich ist. Die Lesbarkeit tritt bei diesem Trend in den Hintergrund. Dadurch erhält das Design ein geheimnisvolles Element, das zu einer tieferen Auseinandersetzung anregt. Es hält sich an ein strukturiertes Grundraster, unterbricht dieses aber bewusst, indem es die optische Organisation mit unregelmäßigen Formen und unberechenbaren Abständen infrage stellt. Dieser kühne und experimentelle Stil lässt alle Konzepte des Leerraums hinter sich und fordert den Betrachter mit seiner absichtlich überwältigenden Ästhetik heraus.
Überflüssig zu erwähnen, dass dieser Trend für Aufsehen sorgt. Mit markanter Typografie und kontrastreichen Elementen, die sofort ins Auge fallen, stoßen wir auf Gestaltungselemente, die nur eines wollen: sich von der Masse abheben und den gewohnten Gang unterbrechen. Maximalist Composition durchbricht endloses Scrollen ebenso wie alltägliche Routine und erregt Aufmerksamkeit. Es ist ideal für Marken, die sich nicht scheuen, im Rampenlicht zu stehen. In Zeiten, in denen alle Feeds und Werbetafeln mehr oder weniger das Gleiche zeigen, sticht dieser Trend garantiert heraus.
Abstract Characters
Als gestalterische Weiterentwicklung von Maskottchen und Markenzeichen will Abstract Characters uns zeigen, dass es bei Menschen nicht auf Form, Größe oder Farbe ankommt. Es sind vielmehr ihre Gedanken, Gefühle und Verbindungen zwischen ihnen, die im Mittelpunkt stehen sollten. Wir freuen uns darauf, dass Marken im Jahr 2024 abstrakte Darstellungen von Figuren im Design bevorzugen werden, um sich von den traditionellen menschlichen Motiven zu lösen. Durch Verwendung abstrakter Maskottchen erhalten Marken eine vielseitige und ansprechende grafische Identität. Die verspielten, personifizierten Figuren setzen auf Formen und unkonventionelle Proportionen und schaffen eine fesselnde und eigenwillige Ästhetik.
Durch die Reduzierung von Illustrationen auf Umrisse und neutrale Farben vermitteln diese Maskottchen eine witzige und faszinierende Stimmung ohne aufwendige Details. Durch die Verwendung anschaulicher Illustrationen, die auf komplexe Details verzichten, werden diese Charaktere leicht erkennbar und können plattformübergreifend und in vielen verschiedenen Marketingmaterialien genutzt werden.
Diese Entwicklung ermöglicht es Marken, die Andeutung von Besonderheiten wie Ethnie oder Geschlecht zu vermeiden, die menschliche Gestalt so in inklusiver Weise darzustellen, und ein Gefühl der Universalität und Barrierefreiheit zu fördern. Durch das Fehlen konkreter Details kann ein breiteres Publikum angesprochen werden, da diese Maskottchen kulturelle oder demografische Barrieren überwinden können und auf einer breiteren Ebene bei verschiedenen Zielgruppen Anklang finden. Letztendlich steht dieser Trend zur abstrakten Charakterisierung für das bewusste Bemühen von Marken, in ihren visuellen Erzählungen Inklusivität, Aufgeschlossenheit und ein Gefühl der Verspieltheit zu vermitteln.
Die Zukunft ist jetzt - Design-Trends
Die digitale Designlandschaft von 2024 wird lebendig, auffällig und inklusiv sein. Egal, ob du ein erfahrener Designer/eine erfahrene Designerin oder ein aufstrebender Enthusiast/erfahrene Enthusiastin bist, informiert zu bleiben über diese digitalen Designtrends kann deine Kreativität anregen und dich an der Spitze der digitalen Designwelt halten.
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Titelmotiv: Bild von Chris Martin auf Pixabay
